26 noviembre 2013

FRANZ XAVER WINTERHALTER. MADAME BARBE DE RIMSKY-KORSAKOV.

 
 
Musée d´Orsay.
París.
Foto de Calamanda.-
 
 
"¡Oh vellón, que rizándose baja hasta la cintura!
¡Oh bucles! ¡Oh perfume cargado de indolencia!
¡Éxtasis! Porque broten en esta oscura alcoba
los recuerdos dormidos en esa cabellera,
la quiero hoy agitar, cual si un pañuelo fuese..."
 
-Charles Baudelaire-
"La cabellera" (fragmento).-
 
 
 
 
Franz Xaver Winterhalter, 1805-1873.
 
 
 
 
 
Madame Barbe de Rimsky-Korsakov, 1864.
Óleo sobre lienzo, 117 x 90 cm.
Franz Xaver Winterhalter.
Donación de la señora de Rimsky- Korsakov e hijos, 1879.
 
 
Winterhalter es un artista con un gran dominio de la técnica, de un virtuosismo que no puede ser negado.
 
Pintor y litógrafo alemán.
 
Nació en el Gran Ducado de Baden, en 1805, y murió en Frankfurt del Meno en 1873.
 
Pasa la mayor parte de su vida en París.
 
Comienza su carrera bajo el reinado de Luis Felipe y realizó numerosos retratos de la familia real y de la corte.
Con la revolución de 1848 abandona Francia con destino a Inglaterra. Regresa de nuevo en 1853 y se consagra como pintor oficial de la corte a mediados del siglo XIX.
 
Se convierte muy rápido en un artista de moda y de gran éxito a nivel internacional.
 
Realizó obras muy conocidas de la emperatriz Isabel de Austria (Sissi) y de la Emperatriz Eugenia que fue una de sus modelos preferida, ella posará para él nueve veces.
 
Adapta su estilo a la moda, atmósfera y lujo de la época.
 
La mayoría de sus composiciones las diseña directamente en el lienzo.
Las copias litográficas de sus retratos aumentaron su fama.
 
Los críticos que primero lo habían elogiado después lo rechazaron. Lamentan que se interese más en la estirpe de sus modelos.
 
"En cuanto al señor Winterhalter, lo único que puedo hacer a su favor es no hablar más"
 
- L´Artiste-
 
Fue víctima de su éxito y pasaría el resto de su vida como pintor de retratos.
 
 Ha sido revalorado en época reciente.
 
 
 


 
 
Musée d´Orsay.
París.
Foto de Calamanda.-
 
 
El retrato de Madame Rimsky- Korsakov es una prueba del gran dominio de la técnica del artista, que supo plasmar la sensualidad de su modelo.
 
Es una mujer de una gran belleza y el pintor ilumina su rostro con una luz brillante. La figura sale de un fondo oscuro y nos llama la atención su vestido con grandes reflejos y colores claros que resaltan su cabello.
Experto en combinar la textura de los tejidos.
 
Sus retratos transmiten una impresión de deseo.
 
La composición en su obra está cuidadosamente equilibrada. 
 
 
 
 
-Obras de Franz Xaver Winterhalter-
Retratos elegantes y refinados.
 
 
 
 
 
 
 
"Que procedas del cielo o del infierno, qué importa,
¡oh, belleza! ¡monstruo enorme, horroroso, ingenuo!
si tu mirada, tu sonrisa, tu pie me abren la puerta
de un infinito que amo y jamás he conocido?..."
 
 
-Charles Baudelaire-
"Himno a la belleza", (fragmento).- 
 
 
 


 
 
Musée d´Orsay.
París.
Foto de Calamanda.-

12 octubre 2013

MANET Y "OLYMPIA". ÉDOUARD MANET.

 
"Olympia"
 
 
"Monstruo del amor profano, ella es un escándalo y un ídolo; una presencia pública que rezuma el poder del esqueleto en el armario de la sociedad... Vestal bestia consagrada a la desnudez absoluta, lleva en sí sueños de toda la barbarie elemental y los ritos animales que se conservan en las costumbres y prácticas de la moderna prostitución".
 
-Paul Valéry-
 


 
"Olympia", 1863, de Édouard Manet.
Foto de Calamanda.
 
 
"Lo bello está hecho de un elemento eterno, invariable, cuya cantidad es excesivamente difícil determinar, y de un elemento relativo, circunstancial, que será, si se quiere, por turnos o todo junto, la época, la moda, la moral, la pasión".
 
-Charles Baudelaire-
 
 


 
Édouard Manet. "Olympia", 1863.
Óleo sobre lienzo, 130 x 190 cm.
Musée d´Orsay.
París.-
 
Manet estuvo muy influenciado por Velázquez, Goya y el Renacimiento italiano.
 
"Olympia" es una obra capital entre la tradición clásica y el arte moderno.
Manet se inspiró en la "Venus de Urbino", de Tiziano, para crear esta obra.
 
Reprocharon a Manet pintar como un niño. El artista renuncia a la perspectiva, con un gran fondo plano, casi ausente de profundidad.
 
La obra provocó un escándalo cuando fue presentada al público, por primera vez, en 1865, en el Salón de París.
La reacción fue muy violenta, todos estaban acostumbrados a ver desnudos de figuras alegóricas y este cuadro gozaba de un gran realismo, también en las novelas del momento el nombre de las prostitutas era Olympia.
Este desnudo fue calificado de inmoral.
La obra fue calificada por los críticos de "ramera manida", "hembra gorila".
Era la primera vez que se veía a una mujer desnuda, en carne y hueso, preparada para hacer el amor y sabían que era la intención de Manet cuando realizó este trabajo.
Durante la exposición, fue urgente y necesario poner a dos personas para proteger el cuadro, de bastonazos de los visitantes.
Tacharon a Manet de provocador y dedicado a lanzar insultos a la moral burguesa del momento.
Muchos vieron también en el cuadro la pose de fotografías pornográficas que circulaban por París, se suponía que iban dirigidas al mercado artístico.
 
La obra también recibió el nombre de "La Venus moderna".
 
 

 
 
 
Manet, en Olympia, nos muestra a una prostituta, mantenida y rodeada de lujo, recibiendo un ramo de flores que le envía un admirador. Las joyas y el gato negro, entre otros, son detalles eróticos que acentúan la provocación de la obra.
 
Olympia mira al espectador.
Ella no sonríe, no transmite romanticismo y misterio.
En esta obra su sirvienta de color es una novedad.
 
La modelo, es Victorine Meurent, amante de Manet, ella nos mira, no se esconde y presume de su oficio.
 
La mirada fue considerada de inquietante por los críticos, porque para el espectador era asumir el papel de cliente de Olympia.
 
 

 
 
 
Resaltan tonos vivos, fuerte contraste de color y luz.
Una gran mancha blanca (desnudo y sábanas) fuertemente contrastada contra el fondo, incluyendo la cabeza de la sirvienta y el gato.
 
La cinta negra resalta la desnudez de Olympia.
 
Siendo una obra que han considerado "brutal", por sus fuertes contrastes de claros y oscuros, sus delicadas yuxtaposiciones de los tonos han hecho de ella una gran obra maestra.
 
Muchos calificaron esta obra de "Odalisca de vientre plano", y Zola, gran defensor de esta obra, respondió a Manet:
 
"Para ti una pintura es un ejercicio de análisis. Querías un desnudo, y tomaste a Olympia, la primera que apareció, querías manchas brillantes y luminosas, y el ramo y las flores las ofreció, querías manchas negras, y añadiste una mujer negra y un gato negro. ¿Qué significa todo esto? No creo que tú lo sepas; yo tampoco. Lo que sé es que lograste crear una obra maestra de la pintura, de la gran pintura, así como traducir a un lenguaje especial la verdad de la luz y la sombra, la realidad de las criaturas y los objetos".
 
 


 
 
El gato negro, con cola levantada, fue pintado posteriormente, es sinónimo de lo que oculta Olympia con su mano, y a su vez destaca más de lo que se intenta esconder.
 
El lomo curvado del gato es símbolo de sensualidad muy descarada.
 
Zola salió en defensa de su amigo y afirmó que Manet necesitaba justo en este lugar un toque de color negro, cerca de otra mancha del mismo color para justificar el color de la criada.
 
Baudelaire, impresionado y obsesionado también con el gato negro, de la obra, escribió en unos versos:
 
"Me hubiera gustado vivir con una joven giganta. Como un gato voluptuoso a los pies de una reina".
 
 


 
 
En la obra destacan diversos símbolos de amor.
 
Olympia lleva perlas, y son atributos de la diosa del amor, Venus.
 
El gato: sensualidad.
 
Orquídea: Olympia lleva en el pelo, y a las orquídeas se les atribuían propiedades afrodisíacas.
 
Lleva una zapatilla nada más en un pie, es símbolo de la inocencia perdida.
 


 
 
León Daudet escribió en 1932:
 
"La Olimpia abucheada, tratada de inmundicia innombrable, de ofensa al pudor, de obscenidad sin nombre, se ha colocado tranquilamente entre los cuadros mas bellos del mundo, junto a la desnuda de Goya".
 
Marcel Proust y Kenneth Clark sintieron fascinación por esta obra de Manet.
 


 
Olympia, 1863.
Musée d´Orsay, París.
A iniciativa de Claude Monet, oferta al Estado por suscripción pública, 1890.
 
 
Manet a Tomás Couture, su maestro:
 
"Hago lo que veo y no lo que les gusta ver a los demás, hago lo que es y no lo que no es".

01 agosto 2013

MAURITS CORNELIS ESCHER: PERSPECTIVA Y FIGURAS IMPOSIBLES. EL ARTE MATEMÁTICO DE M.C.ESCHER.

 
 
 
"En cuartos matemáticos, la división regular del plano se ha considerado teóricamente...¿Esto significa que se trata de una cuestión exclusivamente matemática?, en mi opinión, no es así (...) Los matemáticos han abierto la puerta que conduce a un amplio dominio, pero no han entrado en este dominio de sí mismos..."
 
-Escher-
 
 
 
 
 
Maurits Cornelis Escher.
 
Artista holandés, 1898- 1972.
 
Mundos imaginarios y figuras imposibles en la obra de M.C. Escher.
 
Abandona su carrera en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem para dedicarse al dibujo y el grabado.
 
"Yo mismo pasé muchos años en este estado de autoengaño. Pero entonces llegó un momento en que parecía que escamas cayeron de mis ojos. Descubrí que la maestría técnica ya no era mi único objetivo".
 
 -Escher- 
 
Sus litografías y grabados en madera están considerados obras maestras de la técnica y sus obras son muy apreciadas por científicos y matemáticos.
 
En 1929 realizó su primera litografía y en 1931 su primer grabado en madera con buriles.
 
Es un artista que despertó gran admiración y logró un gran éxito artístico.
Su preocupación por la perspectiva hace de ella su tema principal.
 
Su obra se caracteriza por sus dibujos en dos o tres dimensiones.
 
Los pensamientos y visiones que se paseaban por su cabeza era el motivo principal en sus obras, no le interesaba la realidad.
 
Sus figuras imposibles son las obras más conocidas de Escher.
 
Artista meticuloso, domina a través de un estudio cuidado y muy perfeccionista su gran dominio de la composición en sus obras.
 
 
 
 
 
 
Recorrió diversos lugares por Europa, entre ellos España y especialmente Granada.
La Alhambra de Granada le entusiasma y copia motivos ornamentales, ésta tendría después una gran influencia en numerosas obras del artista.
 
En sus obras destaca una gran destreza en el dominio del espacio tridimensional, la geometría y el realismo, consiguiendo efectos especiales y únicos.
 


 
 
 
Bruno Ernst, biógrafo y amigo personal de Escher, define sus obras y las clasifica en tres temas:
1- La estructura del espacio.
2- La proyección del espacio tridimensional en el plano.
3- La estructura de la superficie.
 
Escher realizó más de 2000 dibujos, 400 litografías, gran cantidad de xilografías y grabados. Existen cientos y miles de reproducciones de su obra.
Sus trabajos están repartidos por todo el mundo y un número importante de sus obras de forma permanente están expuestas en el Museo Escher de La Haya y en diferentes museos.
 
 
Obras de Escher:
 
 
 
 
"Intento en mis impresiones dar testimonio de que vivimos en un mundo bello y ordenado, no en un caos sin normas, a pesar de que eso es lo que parece a veces".
 
- Escher-

22 mayo 2013

FRIDA KAHLO Y LA CASA AZUL. LA PALETA DE COLORES DE FRIDA KAHLO. FRIDA KAHLO: SUS OBRAS EN LA CASA AZUL.

 
Sobre la cama descansa su máscara mortuoria.
Recámara de día.
Casa Azul.
Frida Kahlo, 1907-1954.
 
 
"Esperar con la angustia guardada, la columna rota y la inmensa mirada.
Sin andar en el vasto sendero,
moviendo mi vida
cercada de acero"
 
-Frida Kahlo-
 
 
Pintora, fotógrafa y escritora.
 
Frida Kahlo, por derecho propio, artista.
 
 
 
 
 
 
LA CASA AZUL
 
 
 
 
 
 
En un ambiente muy mexicano, la Casa Azul, es una de las casas más famosas del mundo.
 
Fue adquirida por los padres de Frida en 1904.
 
Frida Kahlo nació, vivió, y murió aquí el 13 de julio de 1954.
 
Sus habitaciones están divididas alrededor de un patio.
 
La casa transmite historia, no es una casa más, es la casa de Frida, traspasar su puerta es entrar en su mundo.
 
La casa, blanca, se pintó de azul. Frida creía que el color azul espantaba a los malos espíritus, también por ser un color muy mexicano, es la importancia del color, y así se ha convertido en un hito, en un punto de referencia, en un lugar de veneración.
 
Es uno de los museos más visitados de México.
 
 
 
 
 
Frida Kahlo recostada en sillón, 1943.
Fotografía: Anónimo.
 
 
 
"Quién diría que las manchas viven y ayudan a vivir? Tinte, sangre, olor, (...)
¿Qué haría yo sin lo absurdo y lo fugaz?"
 
-Frida Kahlo-
 
 
 
 
 
 
 
"Las apariencias engañan"
 
- Frida Kahlo-
 
 
 
 
 
 
"Las apariencias engañan"
Carbón y lápiz de color. Papel, 29,8 x 21,7 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
 
 
Este didujo apareció en una libreta de Frida escondida en el fondo de un ropero, detrás de unos libros.
 
 
 
 
 
 
 
Sala dedicada a Frida en la Casa Azul. Estas obras reflejan su estado de ánimo y los temas que la obsesionaron durante toda la vida: la infertilidad y el autorretrato. También vemos el retrato y la naturaleza muerta.
 
 
 
 
 
 
"Frida y la Cesárea" (inconcluso), 1931.
Óleo- tela, 73 x 62 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
 
 
 
 
 
 
La infertidad  obsesionó y marcó toda su vida y gran parte de su obra.
 
 
 
 
 
"Paisaje de Pedregal", 1952.
Óleo- tela, 30,5 x 40 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
 
 
 
 
 
 En esta obra la artista refleja su incapacidad para ser madre.
 
 Transmite desconsuelo y una atmósfera carente de vida.
El paisaje yermo es muy frecuente en sus obras y muy significativo en el fondo de sus cuadros, y en éste es el motivo principal y representa su cuerpo enfermo.
En el centro dibuja el bosquejo de un esqueleto.
 
 
 
 
 
"Naturaleza Muerta", 1942.
Óleo- lámina, 63 cm. de diámetro.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
 
 
El bodegón mexicano, fue uno de los temas desarrollado ampliamente en su iconografía, son algunos de una gran simplicidad compositiva y otros poseen abundancia de elementos.
 
Frida realizó cuatro obras con formato circular, dos son naturalezas muertas, una de ellas ésta.
 
En esta obra la artista plasma su deseo de concebir y el marco fue diseñado por ella en alusión a la matriz.
 
 
 
 
 
"Viva la Vida", 1954.
Óleo- masonite, 52 x 72 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
 
 
Su pasión por la vida y la esperanza, por las que luchó, hizo que pintara este famoso cuadro.
 
Las frutas que utilizaba para pintar sus naturalezas muertas eran de su propia huerta o las que veía al lado de su cama sobre la mesa de noche.
 
 
 
 
 
"Retrato de mi padre Guillermo Kahlo", 1952.
Óleo- masonite, 61 x 47cm.
Colección permante Museo Frida Kahlo.
México.
 
 
 
 
 
 
 "Pinté a mi padre Wilhelm Kahlo, de origen Húngaro-alemán, artista fotógrafo de profesión, de carácter generoso, inteligente y fino, valiente porque padeció durante sesenta años epilepsia, pero jamás dejó de trabajar, y luchó contra Hitler, con adoración. Su hija Frida Kahlo".
 
 
En la zona inferior del cuadro la artista pintó una banderola, muy común en la pintura mexicana del XIX.
 
Frida sentía gran admiración por su padre y lo retrató con su cámara, además de fotógrafo sabía pintar, pero nunca fue un pintor profesional. Él la enseñó a utilizar la cámara y a revelar las fotos.
Ella aprendió y se inspiró en él.
 
 
 
 
 
 
Chimenea en La Casa Azul.
 
Rivera diseñó esta chimenea de inspiración prehispánica de líneas geométricas y austeras con el gusto contemporáneo y el diseño armonioso del art decó del siglo XX.
 
 
 
 
 
Comedor de La Casa Azul.
 
 
El comedor de la casa fue muy frecuentado por amigos, importantes artistas de la época y personalidades de la cultura:
León Trotsky, Carlos Pellicer, Nickolas Muray, José Clemente Orozco, André Breton, etc.
 
 
 
 
 
Vista patio desde el comedor de La Casa Azul.
 
 
 
 
 
 
Frida retratada por su padre, Guillermo Kahlo, en junio de 1919.
 
 
 
 
 
 
Los  Red Hot Chili Peppers dedicaron la letra de esta canción a Frida. Grammy a la mejor canción de rock en el año 2000.
 
 
 
 
PALETA DE COLORES DE FRIDA.
 
 
 
 
Paleta de Colores, 1927-1929.
Temple-enlucido cal y arena 48,5 x 64,5 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
 
 
-Paleta de Colores de Frida-
 
Probaré los lapices tajados al punto infinito que mira siempre adelante:
 
El verde: luz tibia y buena.
Solferino: azteca. TLAPALI, vieja sangre de tuna, el más vivo y antiguo.
(Café:) color de mole, de hoja que se va, tierra.
(Amarillo:) locura, enfermedad, miedo, parte del sol y de la alegría.
(Azul:) electricidad y pureza, amor.
(Negro:) Nada es negro, realmente nada.
(Verde:) hojas, tristeza, ciencia, Alemania entera es de este color.
(Amarillo:), más locura y misterio, todos los fantasmas usan trajes de este color o, cuando menos, su ropa interior.
(Azul verdoso:) Color de anuncios malos y de buenos negocios.
(Azul marino:) Distancia. También la ternura puede ser de este azul.
(Rojo:) ¿Sangre? pues, ¡quién sabe!
 
Extracto del diario de Frida Kahlo.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
"La angustia y el dolor y el placer y la muerte no son más que un proceso para existir..."
 
-Frida Kahlo-
 
 
 
 
 
Banquito de Frida en La Casa Azul.
 
 
 
Todas las fotografías que ilustran este reportaje se realizaron con mi cámara de fotos.
 
 
 
 
VIVA LA VIDA.